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即興ハードコアから現代アートへの転機点 毛利悠子インタビュー

即興ハードコアから現代アートへの転機点 毛利悠子インタビュー

インタビュー・テキスト
杉原環樹
撮影:相良博昭
2015/09/16
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パタパタと床を移動するハタキ、部屋のあちこちでチーンと鳴る鐘の音、開閉を繰り返すブラインド……。美術館やギャラリー、歴史的建造物まで、展示空間の固有性を読み取り、それを身近な日用品からなる装置や楽器の組み合わせによって観せてきた毛利悠子。彼女も参加するグループ展『スペクトラムーいまを見つめ未来を探す』が、9月26日より表参道・スパイラルで開催される。

昨年は『ヨコハマトリエンナーレ2014』や『札幌国際芸術祭2014』『フェスティバル/トーキョー14』など、国内の大規模な展覧会やイベントに立て続けに参加。活動の場を広げる気鋭のアーティストだが、そのスタイルは一昼夜に築かれたものではない。大学時代の音楽への没頭、コンピュータープログラミングを通したメディアアート的活動を経て、小さな装置たちによる有機的なインスタレーション作品へ。その変遷の中にある、思考と一貫性とは何か。また近年、頻繁に口にされる「都市鉱山」への関心とは? 約半年間におよぶニューヨーク滞在を終えて、帰国したばかりの彼女に訊いた。

学生の頃は自己形成の時代でしたから、もっと面白い音楽を知りたいという思いと並行して、現代アートも自然に入ってきた。

―半年間のニューヨーク滞在帰りでお疲れのところ、ありがとうございます。

毛利:いえいえ、昨日帰国したばかりなんです(笑)。

―今日は、毛利さんの日用品を使った不思議なインスタレーション作品の成り立ちについて、これまでの歩みと共に伺えればと思いますが、大学時代、アート作品を作られる前は音楽活動をされていたんですよね?

毛利:神奈川の藤沢出身なんですが、若い頃は、いわゆる現代アートに触れる機会のない環境で育ったんです。一方、東急ハンズや無印良品の1号店があったり、マニアックな音源を扱うレコード屋が充実していたり、アート以外のカルチャーは身近にありました。それで大学入学後、ブライアン・イーノがプロデュースしたコンピレーションアルバム『No New York』(1978年)に出会って、アート・リンゼイが在籍していたバンド「DNA」に刺激を受けたんです。

毛利悠子
毛利悠子

―『No New York』は、1970年代後半のニューヨークで「ノーウェーブ」という音楽シーンが生まれるきっかけを作ったコンピレーションですね。当時はアートスペースで実験的な音楽を演奏するバンドが多かったとか。

毛利:「DNA」のドラマーのイクエ・モリさんが楽器の素人だったというのも衝撃的で、「だったら、私もやってみよう」と、吹いたこともないトランペットを手にとって、短い曲を演奏する即興ハードコアバンドに参加したんです。今思えば、手練手管のミュージシャンと一緒に、マイルス・デイヴィスかフリージャズミュージシャンかのような気分になって無茶苦茶やらせてもらい、それはそれで楽しい音楽だったのではないかと(笑)。

―10代の女子が、いきなりフリージャズというのもすごいですね(笑)。でも、出会ったばかりの楽器、鳴らされたばかりの音にリアクションするというのは、現在のインスタレーションにも通じているのかもしれませんね。

毛利:そうですね。基本的に鍛錬が苦手な人間なんです(笑)。このバンド活動に限らず、大友良英さんやジム・オルークさんの作品に触れてみたり、ドレッドヘアーだった頃、道に座り込んでジャンベを叩いてみたり、音楽には幅広く関心を持っていました。

―音楽家・アーティストとして活動されている梅田哲也さんや、オシリペンペンズのメンバーとも当時から交流があったそうですね。特に梅田さんはサウンドインスタレーションも手がける作家ですが、音楽に浸かっていた毛利さんがアート作品を作り始めたのは、彼らとの出会いも大きかった?

毛利:大阪芸術大学に通っていた彼らとは、沖縄の自動車免許合宿で知り合いました。そこから交流が始まったのですが、アート作品を作りはじめたのは、大学でメディアアーティストの三上晴子さんのゼミに入ってから。三上さんや、同じく教授の久保田晃弘さんに教えてもらったサウンドインスタレーションという表現に、すごく親近感を持ったんです。

3331 Arts Chiyoda『DOMMUNE University of the Arts -Tokyo Arts Circulation-』毛利悠子 展示風景
3331 Arts Chiyoda『DOMMUNE University of the Arts -Tokyo Arts Circulation-』毛利悠子 展示風景

―当時、2000年代前半は「音楽ではなく、現象としての音を聴く」という視点が一種のムーブメントのように盛り上がった時代だったと記憶しています。音楽家では大友良英さん、論者では佐々木敦さんなどが代表的でした。

毛利:ええ。当時、「noton」というレコードレーベルを運営していたカールステン・ニコライが美術家ともミュージシャンとも分かちがたい領域の作家として展覧会を開いたり、NTTインターコミュニケーション・センター[ICC]で『サウンド・アート―音というメディア』という展覧会が開かれたり、そうした動きが同時にボコボコと発生した頃でした。美術の教科書で見ていたアートと違い、サウンドインスタレーションは、授業で学んだことがすぐに自分でも体験できることが大きかった気がします。エリック・サティが1920年に発表した“家具の音楽”のような環境音楽的な視点も、あらためて見直された時期でしたよね。

―そこでバンド活動から、「音」をより原理的に問い直すサウンドインスタレーションへと、興味が移っていったわけですね。

毛利:学生の頃は自己形成の時代でしたから、もっと面白い音楽を知りたいという思いと並行して、コンテンポラリーアートも自然に入ってきたんです。あと1つ大きかったのは、大学3年のときに初めて行ったニューヨークでの体験。美術館や当時台頭していたオルタナティブスペースを観て回って、音楽、アート、ファッションなど、さまざまなジャンルがシームレスにつながっているシーンのあり方に驚いたんです。帰国後、すぐに自分でも作品を作りはじめました。

―どんな作品だったんですか?

毛利:大学のゼミで、アメリカの思想家バックミンスター・フラーが考案した「フラー・ドーム」を作る課題があって、でき上がった2メートルくらいの半球状のドームに、秋葉原で入手したたくさんのスピーカーをバラしてコラージュしました。当時「Max/MSP」というソフトウェアでプログラムを組んで、音をコントロールすることが大流行していて、その使い方を先生に教わりながら、環境音や声をサラウンドのようにスピーカーで流したんです。これが、私の初サウンドインスタレーションでした。

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イベント情報

スパイラル30周年記念事業展覧会
『スペクトラム―いまを見つめ未来を探す』

2015年9月26日(土)~10月18日(日)
会場:東京都 表参道 スパイラルガーデン
時間:11:00~20:00
出展作家:
栗林隆
榊原澄人
高橋匡太
毛利悠子
料金:無料

プロフィール

毛利悠子(もうり ゆうこ)

1980年神奈川県生まれ。日用品と機械とを再構成した立体物を環境に寄り添わせ、磁力や重力、光など、目に見えない力を感じ取るインスタレーション作品を制作する。近年の主な展覧会に『ヨコハマトリエンナーレ2014』(横浜美術館、2014年)、『札幌国際芸術祭2014』(清華亭 / チ・カ・ホ、2014年)、『Unseen Existence』(Hong Kong Arts Centre、2014年)、『おろち』(waitingroom、2013年)など国内外多数。2015年春よりアジアン・カルチュラル・カウンシル(ACC)の招聘でニューヨークに滞在

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